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Der Fortschritt der Gesellschaft gleicht einer unaufhörlich laufenden Kamera, die die Spuren unzähliger junger Menschen festhält. Von den 1920er-Jahren bis in die 2020er-Jahre prallen Geschichten und Kulturen unterschiedlicher Epochen aufeinander, und die Beziehung der Menschen zur Kamera spiegelt die gedanklichen und kulturellen Wandlungen der letzten hundert Jahre wider.

Die Gesichter und Gesten der Menschen sind nicht nur Momentaufnahmen, sondern eine stumme Sprache, die ihre eigene Geschichte erzählt. Wenn diese Bilder miteinander kollagiert werden, entsteht ein Bühnenstück, das die Grenzen der Zeit überschreitet – voller Lebendigkeit und mit einer komplexen Erzählstruktur, die den Puls jeder Epoche in Schwarz und Weiß spürbar macht.

Die jungen Menschen, die die Vitalität ihrer Zeit repräsentieren, haben ihre Beziehung zur Kamera ständig verändert. Von anfänglicher Unsicherheit bis hin zur bewussten Nutzung der Kamera, um sich selbst auszudrücken, sind die übermittelten Botschaften immer reicher und vielfältiger geworden. Durch diese Bilder können wir nicht nur das Wachstum der Kulturen erleben, sondern auch den Prozess wahrnehmen, wie eine Ära durch visuelle Wahrnehmung bewusst wird.

Ich habe mich für die Technik der Schwarz-Weiß-Collage entschieden, um alte Fotografien verschiedener Epochen zu überlagern und miteinander zu verweben. Durch die Kombination und Neuanordnung dieser Informationen wird das Leben der jungen Generationen der letzten hundert Jahre in der Sprache der Fotografie sichtbar gemacht. Dies ist nicht nur ein visueller Dialog, sondern eine zeitübergreifende kulturelle Resonanz, die die Lebendigkeit der Geschichte und die Ewigkeit der Jugend bezeugt.

摄影的社会粘合度
摄影以其直观的方式记录了当下的人物及其行为动作，展现出极强的社会粘合能力。而相比之下，海报在这一领域的实时性和活跃度显得相对不足，难以实现同样直接的社会连接。

2.照片的纪念意义
照片具有独特的储存与纪念价值，能够在时光中保存情感与记忆。然而，海报的用途通常是短期的，服务于具体场景和目的，因此往往缺乏长期的利用价值。这种时效性的局限是否可以通过设计手段进行突破？

3.主观性与角色边界
摄影师在传统意义上通常被视为记录者，其角色倾向于被淡化，注重画面的客观性。而海报设计则允许更多的主观表现，设计师可以通过自己的情感和态度融入信息传递中。这引发了一个有趣的问题：艺术创作与信息传达之间的界限应该如何界定？是否存在这样一个明确的界限？

通过这样的对比与反思，我希望探讨摄影与海报设计之间的张力与可能性，为视觉传达找到新的表达路径。

Ich möchte die lange visuelle Entwicklungsgeschichte der Fotografie nutzen, um die „blinden Bereiche“ im aktuellen Plakatdesign zu reflektieren und neue Trends zu finden, die den Anforderungen der Kommunikation gerecht werden. Dabei lassen sich drei wesentliche Aspekte herausarbeiten:

1. Die soziale Kohäsion der Fotografie
   Fotografie hat die Fähigkeit, Menschen und ihre Handlungen direkt und anschaulich zu dokumentieren, wodurch sie eine starke soziale Kohäsion besitzt. Im Vergleich dazu ist die Aktivität und Aktualität von Plakaten in diesem Bereich eher begrenzt und kann nicht die gleiche sofortige gesellschaftliche Verbindung herstellen.
2. Die Erinnerungsbedeutung der Fotografie
   Fotos haben einen einzigartigen Wert als Speicher und Erinnerung, da sie Emotionen und Erinnerungen über die Zeit bewahren. Im Gegensatz dazu ist die Nutzung von Plakaten in der Regel zeitlich begrenzt und dient spezifischen Zwecken, was ihre langfristige Wiederverwendbarkeit einschränkt. Kann diese zeitliche Begrenzung durch Designstrategien überwunden werden?
3. Subjektivität und Rollenverschiebung
   Der Fotograf wird traditionell als Beobachter und Dokumentarist wahrgenommen, wobei sein Einfluss auf das Bild in den Hintergrund tritt und die Objektivität betont wird. Beim Plakatdesign hingegen gibt es mehr Raum für subjektive Ausdruckskraft, da Designer ihre persönlichen Emotionen und Einstellungen in die Informationsvermittlung einfließen lassen können. Dies wirft eine interessante Frage auf: Wie lässt sich die Grenze zwischen künstlerischer Schöpfung und Informationsvermittlung definieren? Gibt es überhaupt eine klare Grenze?

Durch diesen Vergleich und diese Reflexion möchte ich die Spannung und die Möglichkeiten zwischen Fotografie und Plakatdesign untersuchen und neue Ausdrucksformen für die visuelle Kommunikation finden.